Es maestro en Artes Visuales con espacialidad en dibujo, diseñador gráfico con espacialidad en ilustración. Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo Soumaya (México)y Centro de Arte Complutense (Madrid) entre otros, además de haber creado y realizado talleres artísticos tanto en México como en España.
Se ha formado como artista en México y España, dentro del Posgrado de Artes y Diseño de la Facultar de Artes y Diseño UNAM, Antigua Academia de San Carlos UNAM, Universidad Complutense de Madrid, Centro de Arte dos de mayo, Medialab Prado, Museo Cerralbo, etc. Y realizado una estancia de Investigación en el master facultad de artes de la Universidad Complutense de Madrid.
Ha trabajado como ilustrador para la UNAM, UAM-Xochimilco y revista Paso de gato. Ha impartido como profesor de catedra para el Tecnológico de Monterrey y la UNITEC en las materias de: dibujo, teoría del color, diseño gráfico y creatividad e Innovación, para las carreras de arte digital, diseño industrial, diseño gráfico y arquitectura. Ha sido invitado por la sociedad de alumnos del Tecnológico de Monterrey a nivel preparatoria a impartir master class: “Diseño de personajes” y “Dibujo de ropa”.
Como arte-terapeuta ha estudiado diplomados en UAM-Xochimilco y realizo una estancia de investigación dentro del master de arte-terapia de la Universidad Autónoma de Madrid, ha participado como coordinador y tallerista para la secretaria de cultura CDMX. Es cofundador de Equidarte Cultura y Socioeducación A.C., donde ha realizado proyectos artísticos sobre la prevención de la violencia a través de las artes, para la secretaria de cultura CDMX y en las delegaciones: Gustavo A. Madero, Cuauhtémoc e Iztapalapa. Además de colaborar en la realización de proyectos artístico-culturales sobre la igualdad de género para la secretaria de cultura CDMX, INMUJERES y la SHCP.
1.- ¿Cuál fue tu proyecto de titulación como licenciado en Diseño gráfico?
Mi proyecto de titulación, fue en el área de ilustración. Realicé un libro de ilustraciones de relatos de fantasmas que fui recopilando durante un año; algunos eran de Guerrero, de Yucatán, de la CDMX, en su mayoría de relatos de familiares y amigos.
2.- ¿Cuál fue tu proyecto de titulación como maestro en Artes Visuales?
El proyecto de titulación para maestría fue una tesis sobre la figura del monstruo en la historia, el arte y en la obra de un artista del estado de México (San Rafael, Tlalmanalco) que tocaba el tema del monstruo: Melecio Galván. Conocí a su hija, una maravillosa persona, muy accesible ella es la encargada del acervo de su padre, y también realicé obra: varios dibujos de monstruos.
Es muy interesante la figura del monstruo, ya que vive en los paisajes de la imaginación y la cultura; jamás puede ser atrapado y su etimología nos lleva a entender que de cierta forma es un maestro que nos muestra la parte oscura de la naturaleza del ser humano y cómo, en la sociedad, por medio de su estoicismo y su contrato, los actos agresivos propios de la supervivencia fueron ocultos bajo el arquetipo de la sombra de Jung y transformados en actos violentos, no realizados para la supervivencia y sí propiamente por actos egoístas.
4.- ¿Desde cuándo te interesaste por el arte y cómo fueron tus inicios?
Me interese por el arte desde que tenía 8 años. Un vendedor de revistas fue a mi primaria (una primaria de gobierno cualquiera en Iztapalapa) a vender dos fascículos de la revista Saber ver, que trataban y daban consejos para el dibujo renacentista; todavía los tengo, en mi biblioteca.
5.- ¿Cómo te describirías como docente?
Realmente me siento como un mal docente para el sistema, ya que particularmente en el arte no creo que una calificación refleje las reflexiones que existen dentro de cada alumno. Siempre he tenido buenas críticas de mis alumnos en las universidades. Comencé dando talleres a niños de 6 a 12 años de artes visuales, hasta el punto que esto no me llenó. También he impartido talleres de artes plásticas en las universidades, con niños de población vulnerable, también impartí talleres en España, y lo que descubrí al impartir clase en formato de taller es que las personas que asisten al taller tienen una predisposición mayor al conocimiento, a diferencia de las clases en la escuela, donde primero existe la calificación como objetivo primario y después está el aprendizaje.
6.- ¿Cómo es tu relación con el dibujo?
El dibujo durante mi adolescencia fue mi barca de salvación, ya que sufrí mucha violencia durante mi infancia y adolescencia. Era lo único que me hacía seguir adelante en mi vida, particularmente el monstruo como una figura por la que sublimaba todos aquellos sentimientos que existían, dentro de mí. El dibujo es una cicatriz que a su vez podía mostrar y era aceptada; el dibujo me ayudó mucho como un proceso resiliente.
7.- ¿Cómo te relacionas con el color y la luz?
Al inicio no usaba mucho el color, se me hacía muy complejo, pero he aprendido con la práctica que primero te tienes que equivocar para saber qué cosas son las que tienes que corregir; esa es una enseñanza de vida que me ha dejado la pintura y el dibujo. Mucho de lo que aprendido del color ha sido revisando textos teóricos; aprendí mucho cuando estuve impartiendo la clase sobre teoría del color; pero sigo aprendiendo, ya que el color es muy simbólico; no es lo mismo el color usado en el renacimiento, que el color que el que se ocupaba entre los mexicas, o los mayas. También se tiene que contemplar el cómo funcionan nuestros ojos, cómo trabaja la fotografía y cómo trabaja la pintura, cómo trabaja el pastel, el temple, los materiales y lo aprendido aporta capas a lo que expresamos por medio del color.
8.- ¿Qué artistas visuales consideras que han influido en tu trabajo?
Me gustan muchos los artistas del barroco como Caravaggio, Velázquez. Del arte impresionista Sorolla, Sargent. Pero también me gusta todo el trasfondo del arte simbolista. En el arte mexicano, podemos mencionar Saturnino Herrán, y más contemporáneamente Melecio Galván.
9.- ¿Qué experiencia entrañable guardas de tus exposiciones?
Me gustó una exposición en la Galería EMMA, en Madrid; fue una exposición colectiva y por lo mismo estaba con mucha gente a prácticamente acababa de conocer, creo que la recuerdo porque estaba muy lejos de casa y sin embargo me sentía acompañado y arropado por todas estas personas que conocí, tanto de España como de otras partes de Latinoamérica; ahí presenté una obra sobre los 43 estudiantes normalistas. Y tambien fui orador en una marcha por los normalistas desaparecidos en Madrid. Siempre que vamos rumbo al pueblo de mis abuelos pasamos por Cocula y el tan mal afamado basurero de Cocula; yo creo que por eso recuerdo esa exposición, fue muy impactante saber esa noticia estando en el extranjero.
10.- ¿Cómo ha sido tu experiencia como tallerista para niños?
Disfruté mucho esta etapa, aunque era cansado, atendía a cerca de 500 niños a la semana; en esos 4 años prácticamente atendí a 2000 niños. El objetivo del programa no era generar niños artistas, aunque aparecieron muchos talentos; generamos sensibilidad en niños y sus padres hacia las artes.
Fue muy bello ver cómo los niños descubrían un espacio para ellos donde a diferencia de la escuela no había reglas o condiciones específicas para obtener una calificación. A principios del año, muchos niños eran muy violentos verbalmente, pero se entiende, ya que no habían recibido un buen trato en sus escuelas. Poco a poco al cuestionarlos se daban cuenta de que en ese espacio estaban seguros y comenzaban a disfrutar la clase, a tal punto que a veces no querían dejar el salón, aunque había terminado la clase.
11.- ¿Qué es lo más difícil de dedicarse a las artes visuales en un país como México?
Pues últimamente ha sido difícil el que todos estamos viviendo tanto en la crisis sanitaria, como económica.
12.- ¿Cómo afectó o modificó la pandemia tu vida profesional y artística?
En el hecho de que cerraran todos los espacios culturales; se suspendió con ello una exposición individual, ya que una galería donde tenía obra cerró. Poco a poco se ha ido recuperando, pero todavía no es lo mismo que antes.
13.- ¿Cómo te describirías como artista?
Creo que sigo aprendiendo, podría describirme entonces como un eterno estudiante. Siempre siento curiosidad por muchas temas y técnicas. Me gustan muchos los temas esotéricos y que tienen que ver con la trascendencia de lo físico, por ello me llama tanto la atención el simbolismo. Una amiga me dijo algo sobre una de mis últimas pinturas: que parecía una carta del tarot.
14.- ¿Existe algún arte en el que te gustaría incursionar?
Me gusta mucho la música. Tengo instrumentos musicales; he aprendido lo básico de la armónica; la flauta transversa, una trompeta, y también un saxofón al que quisiera prestarle más atención
15.- ¿Qué técnicas manejas?
Aprendí a manejar y crear los materiales para diversas técnicas de pintura y dibujo, como son; oleo, temple, pastel, acuarela, encáustica, acrílico, tinta, también realizo xilografía, punta seca y aguatinta.
16.- ¿Cuáles son los temas a los que más recurres como artista?
Me gustan mucho la figura humana y la entrelazo con los monstruos y lo siniestro. Sin embargo, me gusta mucho el barroco, que, como bien su nombre indica, viene de verruga o algo anormal.
17.- ¿Cuáles son los retos de la profesionalización y dignificación del artista visual en México?
Se tiene muy arraigado el mito de que el arte es gratuito, por toda la infraestructura que se realizó de parte del gobierno a partir de José Vasconcelos y en realidad eso no está mal, pero muchos de esos apoyos para artistas han menguado o son condicionados por tendencias políticas. Actualmente mucha gente del gremio artístico, músicos, narradores orales, gente de teatro, se ha estado organizando en un movimiento llamado “No vivimos del aplauso”, para dignificar el trabajo artístico, que tiene sus costos tanto en tiempo como económicos en su profesionalización.
Con respecto a la profesionalización, así como es importante plantear lo sentimental y emocional en la obra, también es importante estudiar tanto lo técnico, como lo teórico para no quedar tan solo en la expresión, sino también crear una conciencia del por qué lo estoy haciendo y el cómo.
18.- ¿Cuál es la importancia de la formación constante como artista?
Creo que es fundamental el no saber todo, ya que cuando crees que ya sabes todo te estancas y te quedas solo en tu paradigma.
19.- ¿Cómo ha sido tu experiencia dentro de la arte-terapia?
La primera vez que me vincule con el tema fue cuando me invitaron a un taller en el Franz Mayer, donde pude ver los aspectos psicológicos de lo que pintaba y dibujaba, y que eso podía ser una herramienta de trabajo psicológico potente para el trabajo con las personas, porque era una forma en que se miraban claramente los símbolos de cada persona, no porque uno los adivine, sino porque es parte del trabajo que ellos expliquen su obra y es en este momento donde llegan los insight (percepción o entendimiento). También realicé un diplomado de danza terapia ahí aprendí sobre la relación del cuerpo con las emociones y los sentimientos, el cómo el cuerpo es un como un ánfora, que contiene nuestra historia interna y que el recipiente (el cuerpo), tiende a fracturarse o romperse, debido a las sobrecargas emocionales que contiene. Estudie otro diplomado más completo sobre diversas técnicas de arteterapia en la UAM-X, entre ellas vimos music-terapia, realizamos ejercicios de psicodrama, entre otras.
Todo esto lo aterricé en mis clases de artes visuales con los niños, donde una vez al mes tenía sesiones con los papás y los niños para realizar este tipo de ejercicio. No pensé que fueran tan significativos para los papás, pero cuando a mí se me pasaba la fecha, ellos me reclamaban su espacio mensual y eso me gustaba que a ellos tambien les sirviera.
Durante la maestría realicé una estancia de investigación en la Universidad Autónoma de Madrid, y ahí no me gustó tanto, ya que me di cuenta que en ese entonces (2014) solo le daban prioridad al área de psicología y el arte lo veían solo como un medio de expresión.
Tambien por invitación de una amiga, participé como coordinador y di sesiones de arte terapia en el Faro de Tláhuac; me gustó mucho y muchos de los que estaba impartiendo sesiones eran muy buenos psicoterapeutas a quienes les aprendí mucho; en esa etapa mis sesiones estaban más dirigidas al movimiento del cuerpo y el ritual como medio catalizador de la psique, tambien trabajamos con mujeres indígenas. Fue una etapa muy bella y realmente agradezco que me hayan invitado.
20.- ¿Cuáles son tus planes profesionales para el resto del año?
Estoy promocionando una exposición que se quedó guardada por la pandemia; se llama Vegetal humano y de cierta forma habla sobre la mala relación que tenemos los seres humanos con la naturaleza, ciegos a su importancia, particularmente al reino vegetal que y produce la mayor parte del oxígeno que respiramos, y toda esta maravilla desde hace 3000 años.
Estoy creando talleres de dibujo anatómico para artistas, ya que esto ha sido una de las cosas que realmente me ha costado trabajo aprende. He revisado muchos manuales, en español, inglés e italiano y no creo que el camino de un artista tenga que ser tan largo para aprender algo tan básico, para quien como yo disfrute de representar la figura humana; eso me hace recordar una cita de Gombrich: “Si los dioses los hubieran creados los caballos, tendrían forma de caballos”, esto porque en realidad el mundo en el que vivimos los humanos es antropomorfo; no podemos negar que es parte de nuestra cultura y representación de ahí veo la importancia de la representación humana: las huellas del cuerpo de la humanidad, crearon el arte, la ciencia y el reino espiritual.
