Augusto Quevedo es un artista mexicano multidisciplinario nacido en 1980 en la Ciudad de México. A pesar de haber tomado una considerable cantidad de talleres y cursos y ser maestrante en Artes Visuales con orientación en Arte y Entorno por la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, gran parte de su formación se da dado de manera autodidacta desde niño, interesado por la experimentación y la búsqueda constante de formas y recursos expresivos. Trabaja la escultura, las artes visuales, el modelado en diversos materiales, la cartonería, el diseño, la gestión cultural, entre otros rubros, a partir de lo cual ha producido una gran variedad de objetos artísticos y artesanales, tanto de pequeño como de gran formato. De igual modo, ha trasmitido su conocimiento de décadas en una larga serie de talleres, cursos, simposios, encuentros y conferencias, desde sus tiempos de estudiante de preparatoria. Entrevistas con él y reportajes sobre su obra han aparecido en diversos medios virtuales e impresos, incluyendo prensa nacional, radio y televisión. Ha tenido más de una veintena de exposiciones individuales en este país y en el extranjero, además de una larga cantidad de exposiciones colectivas. Él es la inteligencia detrás de los proyectos Nación Alien y Monogodos: Arte fantástico, una marca que se dedica a la elaboración de escenografías, vestuario, máscaras, alebrijes y diversos objetos artísticos de corte fantástico. Ha colaborado con numerosos centros culturales, instituciones públicas, museos, casas de cultura, centros culturales, colectivos independientes y museos, entre otras organizaciones, como el Centro Cultural José Martí, Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, Centro Cultural de España, Centro Cultural Tlatelolco, Academia de San Carlos, Tianguis Cultural del Chopo, Colectivo Monstrueando Andamos, Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), Colegio de Bachilleres, La Calaca Espacio Cultural, Centro Cultural de Hacienda, Museo del Juguete Antiguo México y Centro Cultural Xavier Villaurrutia, donde es profesor de los talleres de Cartonería y Escultura. En esta extensa entrevista, el artista nos platica sobre su vida artística, sus ideas sobre el arte, sus múltiples proyectos realizados y en curso, así como su marca de productos artísticos.

1.- ¿Cómo se da tu incursión en el arte y cómo fueron tus inicios en éste?
Desde temprana edad me sentí atraído por las artes y tuve la oportunidad de que me metieran desde niño a un taller de modelado. Ya más adelante estuve en una escuela del INBA donde aprendí nociones de grabado, un poco de pintura y escultura, entre otras disciplinas.

2.- ¿Cuál fue tu proyecto de titulación en la licenciatura en Artes Visuales?
En la licenciatura me titule a partir de un proyecto con el que he continuado desde 2005 a la fecha el cual se llama “La Nación Alien” y tiene que ver con el tema de la otredad y la diversidad, pero sobre todo con lo lúdico en el arte. 

3.- ¿Qué técnicas escultóricas manejas?
Desde chico me gustaba modelar en plastilina, por lo que adquirí la habilidad de modelar prácticamente en cualquier material moldeable, por lo que mucho de mi trabajo tiene que ver con modelar en barro y otras pastas cerámicas, el uso de plastilina epóxica e incluso la cera. En muy buena medida he experimentado con diversas técnicas de cartonería, desde el modelado de pasta de papel hasta la elaboración de moldes en yeso. He trabajado piezas pequeñas como piezas de gran tamaño. También he llegado a hacer algunas tallas en madera y fundición en metal. Lo que aún me falta por aprender es la soldadura en metal y la talla en piedra; quizás también experimentar más con el uso de resinas y materiales para caracterización de personajes.

4.- ¿Cómo ha sido tu experiencia en cartonería y qué objetos produces a partir de ésta?
La cartonería me ha llevado a conocer el mundo del arte popular y la artesanía, lo que me ha maravillado e incluso me ha llevado a realizar un par de estancias internacionales. Sin embargo mi formación como artista me ha llevado más a tratar de enfocar la cartonería para la creación de esculturas o piezas más ligadas al mundo de la escenografía o al arte fantástico. Aunque el arte popular mexicano y la artesanía son muy ricos, siento que pueden llegar a ser un poco limitantes en cuanto a la libertad creativa, sobre todo por el hecho de que algunos artesanos suelen no aceptar ciertas innovaciones o el uso de algunos materiales o formas que no tengan que ver con lo tradicional. Con la cartonería he hecho piezas que tienen una gran influencia en el arte popular mexicano, pero también figuras con tintes más góticos, seres monstruosos, figuras de utilería para conciertos, máscaras o incluso personajes basados en la literatura de J. R. R. Tolkien o la obra de H. R. Giger.

5.- ¿Cómo te apropias y te nutres de la tradición de máscaras mexicanas y del resto del mundo?
El arte popular mexicano se ha nutrido de toda una serie de elementos de diferentes culturas, por lo que hay una gran riqueza de temas que se mezclan entre sí, como el sincretismo religioso que puede ser observado en las máscaras de las distintas danzas tradicionales o rituales; en ellas ciertas figuras transgreden los valores sociales y se mofan de las figuras que ejercen el poder; por lo que el arte popular es una unión de lo sagrado con lo profano en un extraño equilibrio donde hay fuerzas y pulsiones que brotan del inconsciente primigenio. Esto no solo es de México, sino que aparece en numerosas culturas, lo cual es una influencia súper poderosa que puede ser tomada para cualquier acto de creación. En ese sentido muchas de mis piezas tienen un tanto de influencia de todo esto.

6.- ¿Qué objetos produces a partir del barro?
Pese a que llevo varios años haciendo escultura, el barro es algo con lo que llevo relativamente poco, y me ha fascinado por todas sus propiedades. Con éste he experimentado una cierta libertad para hacer “monitos” de diversa índole, desde piezas que representan seres de la mitología o seres alienígenas hasta entidades que viajan conmigo en alguna parte del inconsciente. Sobre todo piezas de carácter figurativo. La desventaja del material es que requiere de ser horneado y a veces esmaltado, por lo que si no se posee un horno para hacerlo, a veces algunas piezas pueden tardarse un tanto en ser terminadas. Además de mi obra personal también hago algunas piezas de carácter decorativo o utilitario.

7.- ¿Cómo te describirías como artista y artesano?
Eso es un tanto complejo. Antes del Rrenacimiento la definición de artista no existía como tal, por lo que la definición de artesano era aplicada tanto a los que se dedicaban a la elaboración de objetos como a los gremios de escultores o pintores. La definición que instituciones como el FONART dan sobre la artesanía van muy de la mano con la representatividad de una cultura en específico, el uso de materiales de una región y la representación inalterable de algunos elementos junto con otras características que para un individuo de la ciudad de México no son tan sencillas de cumplir, lo que hace necesario redefinir la definición de lo que es la artesanía actualmente.

La separación del arte, el diseño y la artesanía en tiempos actuales no es tan clara debido a que algunas de estas se han ido mezclando, lo cual ha hecho que algunos artistas que están fuera del circuito de galerías elaboren artesanía para poder sobrevivir; que los diseñadores elaboren piezas con una mayor libertad creativa fuera del mundo de la publicidad y que los artesanos comiencen a hacer piezas menos ligadas a la tradición y más cercanas a las necesidades de una estética urbana, o al menos en la cartonería.

Para algunos artesanos existe un conflicto en contra de los artistas, ya que tienen la creencia errada que todos los artistas pertenecen a un mundo “snob” o que son parte del “hamparte”, cuando en realidad la gran mayoría sobrevive como puede. En este sentido me gusta la palabra creador, ya que se deslinda de las diferencias conceptuales entre el diseño, el arte y la artesanía. Sin embargo, aunque una buena parte de mi obra se nutre del arte popular, prefiero mantener la libertad creativa que ofrece el ser artista.

8.- ¿Cuál es tu interpretación artística personal del alebrije?
Los alebrijes son seres fantásticos que surgen de la imaginación del artesano Pedro Linares durante la década de los treinta y fueron popularizados durante décadas posteriores, llegando incluso a formar parte de algunas colecciones de museos de varios países. Los alebrijes como tales tienen una historia bastante interesante. La historia que la mayoría conocemos cuenta que Pedro Linares, quien se dedicaba a la cartonería y a la elaboración de Judas, sufrió el padecimiento de una úlcera gástrica, la cual lo llevó a entrar en un estado convaleciente que incluía una serie de delirios en los que llegó a ver algunos seres extraños con diferentes formas animales los cuales se le revelaron bajo el nombre de alebrijes. Hay muchas otras cosas detrás del mito, como una posible influencia del artista José Antonio Gómez Rosas, mejor conocido como “el Hotentote”, quien pareciera que le comisiono a Linares algunas piezas para un evento en la Academia de San Carlos, y de ahí comenzó a experimentar con diferentes formas. No sé si esto sea cierto, pero está comprobado que ambos tenían una amistad, por lo que podría ser cierta esta hipótesis. Sin embargo la primera versión le da una atmósfera más mística al origen.  

Una confusión que se ha dado con los alebrijes creados por Linares es la existencia de piezas talladas en madera los cuales también son representaciones de animales con mucho colorido a las cuales se les ha llamado también alebrijes, pero se les conoce con el nombre de “tonales” o “tonas”, los cuales representan una especie de animales tótem con los que nace toda persona, los cuales han sido confundidos con los alebrijes de cartonería. De hecho sobre esto hay un asunto legal entre el estado de Oaxaca y la familia Linares.

Lo cierto es que ambos representan seres fantásticos rodeados de un aura de misticismo al igual que otras expresiones del arte popular. Esto es algo que se presenta en todo el mundo, como el caso de las máscaras de algunas culturas africanas, donde se supone que el tallador recibe instrucciones durante los sueños por parte de los ancestros de cómo deberá de elaborar la máscara.

El acto de creación tiene un tanto de mágico, y así como los alebrijes y otras expresiones del arte popular tienen un origen en los sueños o en la posibilidad del creador de vislumbrar la existencia de otros mundos. Me gusta pensar que mi trabajo tiene un poco de ello.    

9.- ¿Cómo fue tu experiencia como organizador de los Encuentros de Publicaciones Independientes?
Una de mis pasiones es el mundo del cómic y las publicaciones de carácter independiente en general, por lo que además de editar una publicación también soy consumidor y fan de éstas. Muchos de los que han sido parte de estos encuentros también son amigos y colegas, por lo que ha sido bastante interesante el hacerlos. Lo mismo he organizado estos encuentros en espacios con cero presupuesto y público escaso que con instituciones más formales y públicos más o menos grandes. Todo esto sin cobrar un peso y por el puro gusto de hacerlo. Sin embargo esto me ha servido para poder tener un diálogo con otros creadores independientes y también conocer un poco sobre la gestión cultural, algo que no se nos enseña a los artistas y que nos hace chocar con las instituciones de manera constante.

10.- ¿Cómo es tu relación con el fanzine?
Hace muchos años, por ahí de mediados de los noventa, mi hermana y algunos amigos suyos crearon un par de fanzines de tinte gótico, uno llamado Ad vitam aeternam (Por la vida eterna)  y otro Nocturna supressio (Pesadilla), ambos hechos a la manera tradicional de uso de recortes de revistas, impresos en fotocopias y respaldados en floppys (diskettes), lo cual me dejó marcado de por vida. Al no existir una prensa formal enfocada a movimientos como el gótico, el punk o el metal, los fanzines se volvieron un canal de distribución de información muy importante aún hasta mediados de los 2000. En 1997 me integré a unos amigos para colaborar en un fanzine llamado Caligari, una alegoría de la locura, el cual duró unos 2 años aproximadamente; aunque mi participación ahí fue menor, esto me llevo a involucrarme de lleno en el mundo de las editoriales independientes y las revistas autogestionadas, por lo que en 2007 decidí editar el Fanzine alterno al proyecto de Nación Alien, una propuesta de fanzine que tratara temas como la contracultura, la música, la literatura y las artes, el cual ha tenido algunas pausas pero aún continuo haciéndolo hasta hoy en día.  

11.- ¿Cómo es tu interpretación del tema de la muerte en tu trabajo artístico?
La muerte es un tema que aparece en muchas de mis piezas. Creo que es un arquetipo muy fuerte que va de la mano con la vida. La muerte representa la finitud, pero también el recordatorio de que el tiempo es corto y que es necesario aprovecharlo para disfrutarlo y hacer algo útil con éste. El recordatorio de la muerte nos obliga a movernos. Además de esta filosofía, la estética de la muerte también es interesante y posiblemente a muchos no les gusta o les aterra; sin embargo la estética de la muerte está presente en nuestra cultura mexicana y también en otras culturas y puede tener muchos simbolismos detrás como en el caso de algunas creencias iniciáticas donde se manifiesta la necesidad de morir (metafóricamente) para poder renacer en la verdadera vida. Creo que el tema da para muchas interpretaciones y es bastante interesante.    

12.-  ¿Cómo afectó o modificó la pandemia tu actividad artística?
En muchos aspectos algunas actividades se vinieron abajo: fue muy difícil realizar exposiciones, participar en bazares y presentaciones, no hubo ferias del libro durante mucho tiempo, por lo que esto afecto económicamente a muchos. En mi caso no tanto, ya que mi fuente principal de ingresos está  dirigida más hacia el ámbito de la docencia, por lo que más bien tuve que acostumbrarme a usar programas para dar clases en línea. Incluso puedo decir que esto me ahorró tiempos en el transporte público al no tener que trasladarme a los lugares de trabajo, lo que me permitió tener un poco más de tiempo para la elaboración de algunas piezas. El encierro para muchos fue desgastante, en ese sentido yo ya estaba acostumbrado a pasar largos tiempos encerrado produciendo mi obra, por lo que el producir arte me ayudó mucho a llevar tranquilamente la pandemia. Descubrí varios podcast interesantes y consumí una buena cantidad de audiolibros: en ese sentido una parte del encierro fue positivo. Cabe mencionar que muchos aprovecharán las herramientas tecnológicas para dar una mayor proyección a su trabajo, incluyéndome. Aunque eso no quita que haya sido desgastante, el que haya sufrido la pérdida de seres cercanos, incluyendo a unos de mis amigos más cercanos.

13.- ¿Qué recuerdos entrañables guardas de llevar tu arte a otros países?
La primera oportunidad que tuve fue realizar una estancia de movilidad en la Universidad Politécnica de Valencia, por lo que conté con el apoyo una beca que me permitió costear tanto los gastos de manutención como la posibilidad de tomar un taller de fundición en metal y otros proyectos que fueron surgiendo en la marcha. Fue una estancia de seis meses bastante fructífera que me permitió hacer varias actividades como parte de la universidad, entre ellas una serie de foto-performances y un juego de ajedrez en latón (no me alcanzaron los recursos para hacerlo en bronce) que a todos les gustó. De manera externa a la Universidad pude hacer otras actividades por mí cuenta. En ese momento apenas pasaba de los 30 años y allá a los menores de 35 años se les considera jóvenes y existen algunos espacios llamados Institutos Municipales de Juventud en los cuales los jóvenes pueden presentar proyectos, por lo que pude realizar una exposición e impartir un taller de manera gratuita; también pude publicar un número del fanzine que edito y elaborar una calavera gigante que paseamos por las calles de Valencia durante Día de Muertos gracias al apoyo de un amigo valenciano y una asociación de mexicanos. La estancia fue bastante enriquecedora y quizás hice en 6 meses más de lo que habría hecho en un año en México.

Esto fue entre 2013 y 2014. Ya más tarde, durante 2017 pude realizar una estancia en la ciudad de Sibiu en Rumania con una escala previa en la ciudad de Solingen en Alemania. En Solingen hicimos una pieza de gran formato prácticamente en tres días, la cual se realizó mientras se llevaba a cabo una exposición en homenaje a H.R. Giger, uno de mis artistas favoritos. Ya instalados en Rumania, en una semana y pocos días realizamos una figura de un mayor formato e impartí un taller de cartonería, por lo que me tocó charlar con cientos de jóvenes divididos en varios grupos sobre la cartonería y los alebrijes mexicanos. Las actividades las realizamos en dos museos: el Museo de Etnología Franz Binder y el Museo ASTRA; en ambos fuimos tratados de maravilla y me hicieron sentir un verdadero reconocimiento a mi labor. Cabe mencionar que hicimos buena amistad con parte del equipo de ambos museos, entre ellos una amiga que resultó que organizaba un festival de comics en el Museo ASTRA, por lo que al siguiente año en 2018 pudimos ir de nueva cuenta y, además de participar en el evento principal también pude llevar una exposición fotográfica y una muestra de cómics y fanzines mexicanos para el festival. Las estancias realizadas en 2017 y 2018 fueron por parte de un evento llamado La Olimpiada de los Oficios Tradicionales, por lo que nuestra estancia y alimentación fue pagada por el museo, aunque no el viaje. Gracias a una de las integrantes de la comitiva pudimos adquirir boletos extremadamente económicos; sin embargo en el primer viaje tuvimos que permanecer varados en el aeropuerto de Munich durante tres días, lo que también formó parte de la aventura. En 2019 ya no fue posible asistir, pero mandamos algunas cosas de fanzines y comics para el festival de cómic, por lo que se mantuvo la presencia mexicana en este.

En el caso de los tres viajes la experiencia más enriquecedora fue poder tener trato con otros creadores y con personas dedicadas a la gestión cultural que apreciaran mi labor, además de conocer la vida cultural desde adentro y no como un turista. Estos precedentes me dan la esperanza de poder revivir la experiencia o tener nuevas vivencias similares en un futuro.       

14.- ¿Cómo ha ido evolucionando tu trabajo artístico con los años y los diferentes estudios realizados?

En sí los estudios universitarios no te enseñan a pintar o a dibujar, sino más bien a establecer discursos y ayudar a platearte para qué se hacen las cosas, además de ayudar a abstraerse momentáneamente de la vida exterior. Para tener el aprendizaje técnico, éste se puede adquirir en talleres o de forma autodidacta. Por lo que los estudios me han ayudado a dar un poco de sustento teórico a mi obra, aunque en su mayoría sea parte de un proceso lúdico. 

Hay una parte muy importante que diferencia al arte de otros ámbitos profesionales. La gran mayoría de los profesionistas realizan estudios para una capacitación laboral que permita mayores ingresos económicos. En el arte puede que esto suceda, o puede que no, pero el asunto es que los que se asumen como creadores deben de tener un espíritu autodidacta, por lo que hay un aprendizaje constante que obedece a diferentes inquietudes. Creo que en mi trabajo se puede observar varios proyectos que han sido realizados en diversas técnicas e incluso disciplinas totalmente diferentes, lo cual obedece a la necesidad de expresar cosas distintas. En la actualidad me gustaría aprender más sobre fotografía y otras técnicas de cerámica, por lo que en los próximos años me gustaría desarrollar algunos proyectos más enfocados a esas disciplinas.

15.- ¿De dónde viene el nombre de tu marca Monogodos?
Monogodos es la unión inventada de las palabras “Monigotes góticos”, que son un nombre que me gustó para nombrar a algunos de los personajes que realizo. Con el tiempo el nombre se quedó para nombrar a mis primeros trabajos y después para nombrar a mis piezas con temática fantástica.

16.- ¿Qué tipo de productos artísticos realiza la empresa, qué talleres ofrece y para qué público van dirigidos éstos?

Los productos artísticos van enfocados sobre todo al arte fantástico, por lo que hay piezas que se basan en el simbolismo, mitología y folklor de diferentes culturas: máscaras, figuras de animales, dragones, hadas, brujas, chaneques y otras criaturas basadas en la literatura fantástica, además de piezas con una estética futurista como el steampunk o el cyberpunk, los cuales están elaboradas en diferentes técnicas que van desde la cartonería, pastas moldeables como la plastilina epóxica y la cerámica, entre otras técnicas. Cabe mencionar que también hacemos algo de vestuario, ya que mi pareja es diseñadora, por lo que lentamente hemos incluido vestidos de época, indumentaria con elementos artesanales, ropa para zanqueros e incluso armaduras. También hacemos accesorios y algunas piezas de carácter utilitario.

Los talleres que ofrecemos de momento son de cartonería e iniciación a la escultura y son dirigidos a jóvenes y adultos en su mayoría, aunque también se aceptan niños. Se plantea incluir más adelante otros talleres y abarcar más públicos. Por supuesto esto implica tener más instructores además de mí. Para ello contamos con un espacio físico en la colonia Tránsito, aunque también lo hemos hecho de manera virtual.     

17.- ¿Cuáles son algunas de las dificultades de dedicarse a estas artes en México?
En México existe una gran desigualdad de clases sociales, por lo que la economía se concentra en algunos sectores en específico, lo que implica que no todo mundo puede adquirir arte, ni todo mundo pude tener tiempo de ocio para dedicarse a alguna actividad creativa como pasatiempo. Si bien existen varios apoyos institucionales, los creadores no estamos tan familiarizados con estos e incluso tendemos a renegar de ellos por la forma en la que operan; además, no es bueno depender de ellos al 100%, ya que muchos proyectos tienden a desaparecer una vez de que dejan de recibir un apoyo económico, ya que no pueden hacerse autosustentables. Hay mil cosas que lo hacen complicado pero no imposible.  

18.- ¿Cuál es la relación de la marca con la reutilización y reciclaje de materiales?
En el caso de muchas piezas hacemos uso de materiales como botellas de pet, unicel reciclado, cartón, plásticos desechados y papel reciclado. La idea es hacer uso de materiales recuperados con el fin de darle un uso a estos desechos, o por lo menos no hacer uso de materiales tan nocivos para el medio ambiente en la elaboración de piezas.

Para solucionar el problema del reciclaje de estos materiales se requiere de políticas públicas y de hacerlo a gran escala, por lo que nosotros solo podemos hacerlo como un acto simbólico. Sin embargo tratamos de no contribuir no usando materiales tan nocivos.

19.- ¿Cuáles son los próximos proyectos de la marca?

Crecer como marca y mejorar la distribución de nuestros productos. Si bien la mayoría de las piezas las realizo yo, o en el caso del área de vestuario mí pareja, también participan otros artistas y artesanos en algunos de los procesos, lo cual ha ayudado en el crecimiento de la marca. Pero aún nos falta hacer la labor de distribución y conocer nuevos mercados para ello, en ese sentido hemos ido un poco lento, pero firmes. Además de tener una participación más activa en bazares y otros eventos, tenemos la idea de abarcar más el terreno de lo escénico. Hace no mucho me tocó realizar algunas máscaras para una pasarela de moda, por lo que esa podría también ser otra ruta.

20.- ¿Qué planes hay para la marca para al año próximo y qué  balance hacen de este año?
Los últimos dos años han sido complicados e hicieron presente que necesitamos expandir la marca a las necesidades de la época, es decir tener un mayor énfasis en la venta en línea, por lo que de momento el plan es poner énfasis en ello. Otro proyecto sería comenzar a llevar la marca a otros estados, ya que de momento solo nos hemos concentrado en la CDMX.

Agradecemos el espacio que nos dan para la difusión, tanto de mi obra como de la marca.  

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